NEGRAMENTA

Negramenta, es el título de esta propuesta concebida dentro de la asignatura de Proyecto Comunitario I, para la escuela de Bellas Artes de la UIS. 

La idea central de esta, surge a través de la observación constante de familias afrodescendientes ubicadas en sectores particulares cercanos a los semáforos, en diversas calles de la ciudad de Bucaramanga. A partir de ello se trabaja con una de familia de núcleo completo, buscando articular realidades paralelas y distantes al medio urbano en el que generalmente se desenvuelven, evidenciando que dentro de este proceso de observación e indagación muchos factores entran en juego, como el hecho de encontrar características plásticamente ricas en contextos de pobreza absoluta o el re-descubrir en la identificación con el otro, aspectos culturales “como una herramienta de exploración, cuestionamiento y búsqueda de identidad, propia y ajena” a códigos culturales que se van tejiendo y desenlazando en supuestos o prejuicios que giran en torno a la conciencia racial y las diferencias sociales que pudieran existir entre el ser negro de acá o de otro lado. 

 La configuración física consiste en la realización de un vídeo donde se muestra a esta familia de afrodescendientes, en un escenario completamente distinto al que se desenvuelven comúnmente, una TeaTime o TeaParty, esta escena estaría conformada por una mesa puesta y servida con los utensilios necesarios para la hora del té, la comida aquí juega un papel importante como soporte y eje articulador del desarrollo de la historia. Los distintos miembros de esta familia consumen estos pastelillos de sal y dulce o toman té, mientras cuentan su historia de remembranzas, desplazamiento y recorrido constante dentro de esta nueva ciudad, pudiendo mostrar lo dramático de la situación desde lo jocoso de la personalidad pacífica  frente a temas de contenido sarcástico y alusiones racistas, reinterpretándose a sí mismos en un nuevo papel.

                             “Está propuesta significó asumir retos desde la exploración cotidiana y la perspectiva personal a la hora de encontrar nuevas formas de acercamiento a diferentes espacios y establecer un vínculo para “intentar hacer arte”

Oompa Loompa? ...No anymore

Dentro del proceso industrial de elaboración de chocolates es
necesario tener en cuenta múltiples factores, en donde se
controlan variables y parámetros como:

tiempo, temperatura o humedad; esto nos permite
obtener productos de optima calidad que cumplen
 con la normatividad y están aptos para el consumo.
En el arte sin embargo, su funcionalidad no está directamente ligada al consumo ni a satisfacer la oferta o demanda del mercado; existe una descontextualización  por completo del objeto en función con el otro.  Su configuración va siendo determina si bien a partir de las misma técnicas con las cuales se trabajaría el más fino bombón de chocolate, la diferencian radica en que es un medio para tratar de decir o hacer alusión a cuestionamientos propios o comunes mucho más profundos o tan banales como se quiera, es decir que, a través del chocolate y la conexión que con él, en donde establezco asociaciones para expresar lo que se quiere decir.  Lo interesante aquí es como estos dos mundos industrial-alimenticio y de consumo masivo converge con el arte, más plástico, expresivo, sensible y sensitivo por así decirlo, en piezas escultóricas en instalaciones, en técnicas pictóricas o en una mezcolanza de todas. Todos los factores que mencionaba al principio me permiten conocer las características y posibilidades plásticas que puede brindar un material cambiante, tangible y a la vez efímero como el chocolate, el cual en su propia conformación ya me está indicando que su uso podría tener más limitaciones que posibilidades, siendo un alimento que endulza pero también amarga (como el más puro grano de cacao); un elemento cuya fecha de caducación un alimento que excita,  capaz de estimular el aparato nervioso, red de tejido que envía señales al resto del cuerpo en respuesta a emociones asociadas al placer; solo el mencionar la palabra CHOCOLATE en cualquiera de sus traslaciones recrea en el organismo una atmósfera en torno al deleite de su aroma y su sabor.
Si bien el chocolate en su calidad de alimento tiene una fecha limite de consumo, como elemento en el arte, su utilidad plástica no se ve limita a la caducidad.

Esta pieza lleva por nombre venus y forma parte fundamental de uno de los cuatro componentes formales de la propuesta escultórica titulada "Bien Comida". (2014).

Por ultimo y para cerrar este post...

Quiero agradecer a mis chicas, el grupo de trabajo en Transformación del Cacao y Chocolatería,  por todos los  bellos momentos compartidos, las risas, las enseñanzas y haber aceptado y comprendido a alguien que está en el cuento de jugar a ser artista, ustedes ahora tienen la poibilidad de ser maestras chocolateras, solo hacer la diferencia, desbordar la imaginación y la capacidad para creer y crear.

 
 "No hay más oompa loompa, solo féminas mostrando su poder y la capacidad de trabajar en equipo"

4- PROYECTO LIBRE

Del objeto a la cajas y de ahí a la acción...

                                                                                                                                                                                             

Como se mencionaba en la entrada anterior "1- SERIALIDAD - MATERIALES BLANDOS- COMESTIBLES-  " El objeto escultórico carecía de soporte formal lo cual desvinculaba toda carga emocional y desde luego la estética del mismo, por ello surge la idea de emplear mi propio cuerpo como pedestal, un soporte que le confiriera cualidades y características más allá de las escultóricas, el objeto entonces invitaba a la acción trascendiendo así de lo estático a la acción", en este el proyecto final.

Decido vincular otro ejercicio de ensamblaje para a partir de ello entonces construir una tercera caja que contendría la tetera cubierta y se relacionaría al mismo tiempo con la visión del fin del mundo articulando no solo los sentidos restantes (olfativo- gustativo-oído) sino también la presencia de la ausencia, el vacío y el recuerdo.
En este sentido de la idea de  -¿Por ser negra se supone, debo saber cargar cosas en la cabeza?-se convierte en la directriz de la acción propuesta que pretende el replanteamiento de un primer ejercicio y el complemento de otro más.

Formalmente la acción inicia cuando tomo la tetera la ubico sobre mi cabeza y empiezo hacer un recorrido mientras escucho una grabación que se encuentra dentro de esta la cual se repite constantemente y me indica el "patrón asignado a mi rol en la sociedad". A medida que la grabación suena es fácil percibir que el peso que se lleva no está encima sino dentro de la cabeza, asimismo esa carga de dulce no tiene nada, si bien el peso es real, lleva consigo connotaciones simbólicas llenas de prejuicios  y atribuciones  sociales.

1- SERIALIDAD-MATERIALES BLANDOS - COMESTIBLE

 

En esta propuesta se realiza una pieza escultórica a partir de la mezcla de dos objetos una tetera y chocolate, el cual es vertido sobre está cubriendo totalmente la superficie de la misma, comprobando así el comportamiento y adherencia de este elemento sobre la porcelana, antes de que el chocolate solidifique por completo se utilizan alrededor de 90 chocolates quedando superpuestos a la pieza y aunque deforman el objeto se puede ver que sigue siendo una tetera completamente funcional, ello me permitió observar que el chocolate no se quiebra y no se derrite a la hora de manipular el elemento el cual tampoco pierde su forma.

Por otra parte este elemento híbrido de su condición presentaba la confrontación de dos mezclas, dos obsesiones que se han desarrollado durante el proceso del quehacer artístico, pero más allá de lo aparente era utilizar elementos de profunda carga personal y encontrar el sentido de abordarlos de tal manera,  cubrir un objeto siempre será privarlo de su identidad o conferirle otra ya sea lejana o cercana a las lecturas que este contenga en sí mismo, por eso en la medida que los espectadores comían los chocolates superpuestos podían develarse pequeños fragmentos del contenedor, me interesaba entonces particularmente la idea de tomar un objeto en primer lugar blanco  y oscurecerlo con chocolate precisamente elemento que me identifica últimamente más que nunca, ¡sigue en auge la negra-menta!, desde luego este acto  inconsciente parte o se relaciona con algún concepto, hecho o situación arraigado en la psique, recuerdo entonces un supuesto que oculta un trasfondo peyorativo en cierto sentido y empiezo a de-construir el arquetipo sobre el que recaerá posteriormente la acción[1] … algún día escuché lo siguiente:

-Pero tú no puedes tener el alma blanca porque eres negra-, entonces relaciono la tetera cubierta por la espesa capa de chocolate con mi cuerpo, con el contendor de lo que se conoce como alma asimismo esta alma la esencia del ser la relaciono con lo que vendría siendo la tetera descubierta, desnuda y expuesta con su Blanco Porcelana[2].  

Como anteriormente se menciona este objeto carecía de un soporte formal lo cual desvinculaba toda esa carga emocional y desde luego la estética  del mismo, por ello surge la idea de emplear mi propio cuerpo como pedestal, trascendiendo así de lo escultórico a la acción en la presentación del proyecto final.

[1] Revisar ejercicio número 4: PROYECTO LIBRE

[2] Título de la obra propuesta por la artista Margarita Ariza A. Censurada por demanda penal interpuesta por algunos familiares, controversia por el alto sarcasmo y contenido de crítico hacia el racismo, dichos y refranes populares arraigados como herencia inconsciente y que explora en el campo del arte.  http://margaritaariza.wix.com/portafolio#!blanco-porcelana  

DE LO COMESTIBLE...

El acto de comer lo NO comestible...

Constantemente he venido replanteando y cuestionando el por qué de muchas cosas; el por qué de tantas cosas que se vuelven obsesiones, fascinaciones por el uso en repetidas ocasiones de materiales, técnicas, objetos, personas o conceptos ( inclusive reinas y animales) reflejados de forma evidente o no, en cada cosa que se hace en cada realidad que se percibe.

Dicha realidad construye mi propia obsesión, compuesta a su vez de distintos elementos articulados ciertamente en un una sola "el acto de comer", el cual abarca más de un acto según la mirada desde donde se quiera ver, incluye más elementos de los que en realidad se necesitan y requiere toda una puesta escena, la parafernalia perfecta para una mesa bien puesta! 

¿Obviamente quien sirve?, una mujer, tal como en las performances de Yolanda Dominguz en las que la artista española invita a los transeúntes a traves de volantes repartidos en la calle a "Fingir sus orgasmos", en clases personalizadas.

 "Chica joven se ofrece para..."(2009) otra acción a partir de volantes donde a cambios de cierto posicionamiento social se obsequian servicios considerados intrínsecos al ser MUJER.

Entonces comprendo por qué el trabajar con elementos dulces, blandos o de singular sutiliza ha sido una constante en mi obra, al igual que muchas mujeres artistas es necesario abordar estos temas "cliché" por que como se pensaría también vienen intrínsecos al sel MUJER! Ahora bien lo que cambia es la forma de  abordarlos y la manera en que este fantástico mundo rosa se pervierte a través de los años tornándose rojo, fragilidad que se pierde precisamente en el acto de ser mujer, y ahí sí como el viejo adagio, de castaño a oscuro, los contrastes y connotaciones dejan atrás las buenas costumbres para mostrar la realidad de lo que el mundo cree una mujer debe o no hacer. 

Retomando, entonces comprendo el por qué de trabajar con elementos dulces, blandos o de singular sutiliza ya que son precisamente esos contrastes los que me llevan a jugar con la ironía de conceptos, la sátira oculta tras la mera sutiliza y el fuerte contenido simbólico de la carga de no solo ser mujer, artista si no también de como diría la hoy afamada ganadora del Oscar Lupita Nyong'o "del ser negra como la noche". 

Se podría decir que desde el 2012 la negramenta ha tenido un especial reconocimiento en las pantallas y el mundo de las celebridades como tal, muchas ya se habían posicionado por talento singular, belleza, fuerte influencia política acompañada de unos cuantos millones de dolares, sin embargo esto es evidente aún más en las series y películas estadounidenses las negritudes están en pleno auge, esto acompañado de un singular reconocimiento que a mi parecer también se torna sutilmente racista, también me hizo cuestionar el uso del chocolate como una de esas obsesiones de las que hablaba anteriormente,

Creo entender el por qué de esta situación, creo entender también el por qué el arte es capaz de indagar en la interacción y conexiones establecidas entre el ser humano y la comida, como ello trasciende al acto de satisfacer  una necesidad, hasta el punto de transmutar en campos de acción tan lejanos y coloquiales que divagan en nuestra cultura como "el comer, el ser comido y el comerse mutuamente".

3- ENSAMBLAJE-RECICLAJE- CAJAS

En esta propuesta la idea es generar una caja en formato libre, cuya temática principal sea el fin de mundo en base a la percepción personal sobre la película "Melancolía" del director Lars Von Trier,  y tomando como referente el trabajo del artista Joseph Cornell.

En el transcurso del film captan especialmente mi atención aquellas escenas estáticas del inicio en las que parece mostrarse todo lo que va a pasar, en donde se muestra parte del desenlace pero al mismo tiempo generan una sensación de aislamiento por lo perturbador de las mismas, entonces pareciese que nada tuviera sentido y de ahí en adelante empieza la lucha por tratar de entender el rol de cada personaje en la historia y hallar el equilibrio que permita la articulación de piezas aparentemente dispersas, sigo en el recorrido visual pensando que en cada escena que antecede a la otra algo se me había escapado entonces pauso y retrocedo para mirar que pasé por alto –acaso obvie algún detalle importante- pero no, simplemente todo ese caos hace parte del apacible desenlace. Busco entonces realizar dos cajas que me permitan exponer el fin del mundo desde dos perspectivas distintas, la ajena y la propia. 

   Two Boxes, 20 x 20 cms. Madera, tela, vidrio, juguetes y encaje. 2014

En la primera la ajena, parto de escenas dramáticas, inmóviles y cargadas de un silencio absoluto que permite apreciar cada detalle escenográfico de la decoración de espacios internos de singular suntuosidad, llenos de estructuras sólidas conformadas por líneas simples toda una estética visualmente enmarcada por una arquitectura oscura y un tanto lúgubre.

Entonces recreo una pared de fondo dorado, con ramas y flores muertas delante de ella una poltrona, al lado dos sillones de dorado color y en el centro una mesa que reposa sobre un piso cubierto de tela aterciopelada; de las paredes se desprenden ramas y flores muertas que buscan apoderarse del espacio como en una lucha de la naturaleza por recuperar el espacio habitado, entre tanto en esta escena solo dos figuras disputan la batalla contra la resignación del encierro dos caballos (azul brillante), cuya actitud pretende evocar la posición asumida por Justine y Clare (las dos hermanas) para enfrentar el fin del mundo, el marco de este escenario es un vidrio que me permite jugar con la distorsión de la realidad creada y visualmente des-configura  la imagen la fragmenta, obligando al espectador a tratar de entender lo que dentro de ella sucede tal como en la película ya que si no te sumerges dentro de ella el fin del mundo se queda solo en la colisión de las masas, en la superficialidad de los cuerpos y no en lo realmente relevante lo que se esconde y oculta tras el cristal de la pantalla y es la intencionalidad de reflexionar en cuan preparada está la psique para asumir, soportar o lidiar con algo más importante que el egocentrismo recreado no en el fin no del mundo sino en la consumación de todo aquello que se conoce y percibe como propio.

En la segunda la propia, decido partir de la idea del mismo cine como generador no solo de imágenes si no de conceptos, que se arraigan fuertemente en el subconsciente del que expectante espera una versión novedosa de la representación del fin del mundo, entonces centro mi visión en lo que para mí nunca significo motivo de preocupación por ser un hecho histórico por ende perteneciente al “pasado” el periodo jurásico, en esta versión del fin del mundo basada en la serie Terra Nova, vi que ello sería posible ya que si en un futuro la única solución después del deterioro y consumo paulatino del mundo se hace necesario volver al pasado para sobrevivir como especie y tratar de emendar todo el daño generado durante centenares, entonces todo iniciaría donde termina o todo termina donde inició, en esta caja configuro entonces un escenario que recrea la destrucción de arquetipos construidos, mientras un feroz dinosaurio rosa posa ante sillas vacías, que simulan un público ausente, reticente a la idea de pensar en que la imagen que se vende puede en determinado caso formar parte de la realidad que se nos muestra como fantasía, lo cual dificulta el poder distinguir claramente entre realidad y ficción, solo que esta vez sin necesidad de tener un vidrio delante. 

Formalmente esta propuesta está conformada por dos cajas de madera construidas con tablas 4 de 20x20cms y 3 mm de ancho, las cuales son forradas con diferentes telas y encajes, dentro de cada una de ellas realizo escenarios distintos. El primero inspirado en escenas particulares de la película y el segundo concebido dentro de mi propia visión del fin del mundo, para ello utilizo: madera, tela y encajes, vidrio, juguetes, pintura y flores muertas naturales.

Referentes:

 "Melancolía" del director Lars Von Trier

 

Referente: Joseph Cornell

http://www.josephcornellbox.com/

Boxes

            

2- CONSTRUCCIÓN- INSTALACIÓN- (EN GRUPO)

"DULCE MUERTE"

A partir del dibujo, la estructura de moldes y el uso del chocolate como elemento articulador, se presenta la propuesta de realizar una instalación combinado estas tres técnicas, en donde a través de un  personaje particular salido de papel, se busca por medio de la plasticidad y del trabajo escultórico llevarlo a lo tridimensional.
El contexto en el que se desarrollará este personaje "Smile" es es rodeado de hormigueros, estructuras sólidas e imponentes construidas por colonias de hormigas quienes empezaran en una lucha por el territorio y el espacio una dulce guerra por la supervivencia.
La idea es que estos insectos se apropien de los personajes que invaden su escena, y generen la des-configuración de los mismos, aludiendo así no solo a diminutos mundos de animación donde existen al igual que en nuestra propia sociedad jerarquías y conflictos internos por el poder.

Formalmente para esta propuesta se tiene como recomendaciones analizar mejor el espacio a intervenir, en busca de que la pieza realizada tenga mayor fuerza visual que la arquitectura construida por las hormigas y así generar un equilibrio y la sensación de un enfrentamiento de poderes que enlazan conceptos de invasión, destierro, territorio, desplazamiento, recorrido así como la organización interna y subdivisión en roles o rangos clasificaciones establecidas dentro de cada colonia hormiguera;conflictos fácilmente relacionados con el entorno social.

                        

 

Referentes:

                               

_________________________________________________________________

En este enlace se pueden observar las distintas estructuras de colonias formadas por hormigas, obtenidas del vertimiento de aluminio líquido.

Se puede observar una clara diferencia entre cada colonia de hormigas, las carpinteras formas estructuras más simples y ligeras, mientras que las hormigas de fuego hacen estructuras elaboradas, complejas y por ende más pesadas.

http://anthillart.com/

"Aquí se trabajó con colonias de hormigas rojas de fuego, en EEUU son perjudiciales para el medio ambiente y allí sus nidos son exterminados mediante el uso de venenos,  fuego y  agua hirviendo"

http://cubiro.com/?p=2596